R E – S O U N D S C A P E

Scuola FuoriNorma’s La scatola dei suoni [The box of sounds] is the school’s sound archive, which for over 20 years has gathered field-recordings and other types of

recordings.

Over the course of the years students from the Academies of Fine Arts of Catania andPalermo have created many soundscape compositions in the context of the subjects that I teach, each lasting 60 or 120 seconds, editing their recordings or using sound effects from specific cds.                                                                                    The teaching section of the archive continues to gather these works.

The idea behind Re-soundscape is that authors choose and adopt tracks created by the Academy students – in this way they become a precious fertilizer for the imagination – and they place them within new sound compositions of variable duration.

The only rule is to not alter technically in any way the original compositions, which can, however, be layered with other sounds.

The Re-soundscape compositions will be collected in numbered volumes and bit by bit broadcast by Radio Ciroma, RAM radioartemobile and other networks.

Interested authors can receive material by writing to: canecapovolto@gmail.com

The initial deadline has been set for june 30, 2022.

RE-SOUNDSCAPE

Questo articolo documenterà Re-soundscape, dall’ideazione alla sua fase realizzativa.

Questo progetto nasce dall’interno de  La scatola dei suoni, l’archivio sonoro di Scuola FuoriNorma che raccoglie, conserva e classifica field recordings e registrazioni sonore raccolte nel corso di oltre 20 anni. Qualche anno fa ho inaugurato una sezione didattica, nella quale ho iniziato ad archiviare le composizioni sonore di allieve e allievi delle Accademie di Belle Arti di Catania (la materia che insegno è Computer Art)  e Palermo (Techniche audiovisive per il web).

[nella foto allieve/i dell’Accademia di Catania in azione]

Questo link rimanda invece ad analoghe attività di quest’anno (password: soundscape)

Nello specifico il compito di allieve/i era di realizzare una composizione della durata di 120 (ed in tempi più recenti di 60 secondi) utilizzando field-recordings raccolte sul campo, che avesse caratteristiche musicali o cinematografiche.

In tempi di didattica a distanza ho fornito io stesso una cartella di  effetti sonori, tracce provenienti dai noti cd (di produzione italiana/tedesca/francese/olandese) materiali più o meno “commerciali”,  immaginati per un utilizzo radiofonico o cinematografico amatoriale. I “rumori” realizzati dal vivo presentano indubbi vantaggi espressivi, dato che di fatto possono essere “suonati” in tanti modi diversi, ma presuppongono una ricca varietà di oggetti (in legno/vetro/metallo/plastica etc.) di varia forma ed una certa precisione e qualità sonora in fase di registrazione. Nei cd degli effetti sonori troviamo molto spesso mischiati vari tipi di rumori: dai contesti ambientali ai suoni della natura, dai rumori della produzione a quelli della casa e del tempo libero etc. e soltanto alcuni, raggruppandoli per generi e famiglie, tendono ad un approccio più sistematico e scientifico (che resta comunque distante da quello espresso da Murray Schaffer nel suo libro, Il Paesaggio Sonoro)

https://www.murrayschafferart.com

Obiettivo principale della materia è quello di stimolare ed approfondire un pensiero sonoro specifico, sicuramente più complesso e problematico di quello tipico del videomaker, riflettere sul fatto che ogni suono/rumore catturato anni o decenni prima da uno sconosciuto microfonista e poi pubblicato corrisponde ad una immagine. Una immagine che è andata perduta,  esattamente come sono andati perduti i suoni delle vecchie foto private che giacciono sulle bancarelle dei mercatini delle pulci. (1)

In ambedue i casi la nostra immaginazione può essere stimolata e fertilizzata proprio in virtù dell’assenza di uno dei 2 elementi: l’immagine o il suono.

Bene, fin dall’inizio della materia allieve ed allievi sono invitati ad elaborare questioni filosofiche come queste, più importanti delle conoscenze tecniche che avrebbero sviluppato attraverso l’uso del software di montaggio.

Spesso vengo colpito dalla qualità artistica e dalla naturalezza con la quale viene progettato e realizzato quello che è un film senza immagini (e ufficialmente catalogato come soundscape composition) considerando che il più delle volte l’autrice/autore non ha mai utilizzato prima un software per il montaggio. La prospettiva di Re-soundscape è quella di mettere in contatto alliev* con musicist* attraverso una selezione di centinaia di composizioni.

Regola principale è che la/il musicista consideri la composizione sonora che sceglie, come un reperto, il centro di un nuovo lavoro sonoro cui può sovrapporre i suoi suoni ma che non può in alcun modo manipolare o alterare. Forse Re-soundscape diventa così un contesto mentale simile ad una seduta spiritica, che mette in comunicazione non soltanto rumori e musiche, field-recordings/Paesaggio sonoro e composizione, ma anche anime ed idee.

Nella fase realizzativa del progetto, Radio Ciroma di Cosenza (unica esperienza italiana di radio comunitaria, ed a sua volta parte di Gemini Network, il network delle radio indipendenti) è nostro partner principale

http://www.ciroma.org/

Questo è un primo spot radiofonico che verrà utilizzato per promuovere il progetto.

Ed ecco adesso composizioni, realizzate rispettivamente da:

Danilo Conti (Accademia di Belle Arti di Palermo, Tecniche audiovisive per il web, 2017/18) da registrazioni sonore realizzate sul campo

Alessandra Romeo (Accademia di Belle Arti di Catania, Computer art, 2020/21) da effetti sonori da cd audio.

(1) anticipo la pubblicazione su questo blog di un’intervista a Rosario Perricone, autore di  Oralità dell’immagine. Etnografia visiva nelle comunità rurali siciliane (Sellerio editore, 2018)

L'articolo RE-SOUNDSCAPE sembra essere il primo su Scuola FuoriNorma.

                                                             UN LUOGO CHE NON ESISTE

L’idea che sta dietro “l’invenzione” e la pratica di questa tecnica di registrazione deriva dall’impossibilità (e forse anche dall’inutilità) di restituire all’ambiente la sua stessa registrazione (ciò che gli è stato sottratto tecnicamente) e dalla ricerca di un bilanciamento interessante tra arte e scienza, artificiale e naturale etc.

Tra l’ascolto umano (tridimensionale a nostra insaputa) olofonia e binaurale, quadrifonia e le registrazioni “monoaurali” (che possiamo ottenere con i normali microfoni) esistono zone grigie che possono rendere sorprendente il confronto tra la cosiddetta realtà tecnico/scientifica dei suoni ed il loro doppio, il significato dal punto di vista percettivo. Questa pratica consente un’esperienza inedita di immersione nel suono che viene pienamente restituita dalla registrazione e dall’ascolto.

2 registratori audio uguali, con i loro microfoni incorporati, configurati nella stessa maniera, vengono posizionati l’uno di fronte all’altro, ad una distanza che decideremo: quell’area più o meno estesa sarà il luogo in cui può essere realizzato il paradosso di una simmetria asimmetrica.

Soltanto nella fase di editing verrà completato questo spazio artificiale, in cui 2 coppie di canali destro e sinistro si sovrappongono. Decideremo infatti la percentuale di presenza di ognuno dei canali per rappresentare lo spazio.  Ad esempio:

registratore 1: canale sinistro 0db e canale destro -9db

registratore 2: canale sinistro -9db e canale destro 0 db.

ECCO ALCUNI ESEMPI SONORI (convertiti in mp3).  E’ CONSIGLIABILE  UTILIZZARE UNA CUFFIA PER L’ASCOLTO.

Il brano che segue è stato realizzato usando registrazioni effettuate all’interno di un grande tubo metallico (ha suppergiù una sezione di 2 metri e si trova esattamente di fronte allo spazio espositivo Zac, all’interno dei Cantieri Culturali alla Zisa) per la materia “Tecniche audiovisive per il web” (Accademia di Belle Arti di Palermo).

Ecco il risultato di altre registrazioni, sempre nello stesso luogo.

Cosa succede esattamente? Ogni evento che è accaduto o fatto accadere all’interno di quest’area è stato registrato da 2 canali destri e 2 canali sinistri. Attraverso il montaggio dei 4 canali i suoni sembreranno “esistere”  contemporaneamente a destra ed a sinistra, avanti e indietro, in punti diversi dello spazio.

L’effetto di “dissonanza” è più o meno evidente a secondo dell’estensione dell’area coperta dai microfoni e soprattutto se alcune le sorgenti sonore hanno attraversato lo spazio dietro, davanti e tra i microfoni.

Non so se sia corretto definire questa tecnica di registrazione come il corrispettivo sonoro delle “figure impossibili”  (vedi le immagini).

Istituto tecnico Archimede di Catania: workshop sul Paesaggio Sonoro voluto e coordinato dalla Prof Chiara Fragalà e dalla Prof Rachele Longo (Ist. Galileo Galilei), ho scelto 4 varianti realizzate dagli studenti Daniele Materia, Luca Sciuto, Nicolò Cambria e Silvia Papandrea che hanno usato le medesime registrazioni “gemelle”. Il risultato mi sembra particolarmente interessante in quanto l’area rappresentata era piuttosto ampia e numerose le sorgenti sonore nello spazio,  tanto che ogni montaggio ha generato composizioni piuttosto diverse tra loro. Luogo: interno dell’Orto Botanico di Catania.

Ho poi provato a registrare in casa alcuni strumenti musicali con lo stesso procedimento. Ecco nell’ordine una bass steel autocostruita (da Delfo Catania, musicista di Lentini). In ognuna di queste registrazioni l’area acustica predisposta è abbastanza limitata.

Una chitarra classica suonata con l’archetto del violoncello ed oggetti in legno e metallo

Violoncello e poi ancora il salterio (costruito sempre da Delfo Catania)

Infine, suoni prodotti da vari oggetti su una lastra di metallo.

E la macchina per scrivere meccanica Olivetti (che ho invece registrato in altre occasioni con 2 microfoni a contatto).

Ultimo esempio: Siamo a Pantalica (Sortino, provincia di Siracusa) un gruppo di persone attraversa una galleria ferroviaria non più attiva, costruita in roccia e cemento. In questa registrazione è più chiaro che ogni fonte sonora -appunto perché in movimento) è localizzata nell’ascolto sia a destra che a sinistra, sia in avvicinamento che in allontanamento, provocando una strana sovrapposizione “dissociazione”.

Bene, si tratta di una pratica basata sulla ridondanza di informazioni sonore e sull’ambiguità. Non ha alcuna validità scientifica ma, essendo in grado di confondere la nostra percezione dello spazio e del tempo può fornire alcune spiegazioni sul funzionamento del cervello e dell’ascolto, dell’idea di naturale e artificiale e naturalmente della non esistenza di una “realtà” (acustica) oggettiva.

L'articolo DENTRO GLI STRUMENTI #3: UN LUOGO CHE NON ESISTE sembra essere il primo su Scuola FuoriNorma.

In questo secondo articolo il Volca FM (Korg) e Streichfett (Waldorf), 2 synth decisamente interessanti, considerando le rispettive vocazioni ed interpretazioni aleatorie.

VOLCA FM

La linea Volca è un progetto orientato verso la sintesi analogica, Il Volca FM è stato definito un sorprendente “Holy Grail della sintesi” ed è sicuramente tra i prodotti Volca più riusciti (con il Volca Drum).

Il Volca FM è un sintetizzatore polifonico a 3 voci basato sul noto Yamaha DX7/DXT II, il primo synth digitale della storia, creato dallo studioso americano John Chowning, commercializzato tra il 1982 ed il 1989 ed usato non solo da decine di gruppi mainstream ma anche da Cabaret Voltaire e Brian Eno.

Mentre il DX7 era a detta di tutti molto complesso e piuttosto difficile da programmare e da usare soprattutto dal vivo, questa ennesima e relativamente economica macchinetta in plastica (venduta poco al di sotto dei 150 euro) deriva da un’idea più semplice ma anche concettualmente più aggressiva. Volca FM è provvisto sempre delle caratteristiche (e sicuramente problematiche a livello ergonomico) manopole molto piccole ma garantisce suoni e possibilità spesso sorprendenti. I tecnici scrivono che la sintesi FM è basata su un’onda modulata da altre onde per produrre suoni; entrano poi in funzione gli operatori: chiamati “carriers” e ”modulators” (in tutto 32 combinazioni diverse, come dallo schema fornito con il synth) ed altri controlli come Envelop Generators, LFo rate, Algrtm (Algoritmo). Incrociando tutte queste combinazioni è possibile generare diverse strutture sonore, da quelle più minimaliste (sfruttando l’arpeggiatore) a quelle più caotiche. Il synth ha i suoi suoni: Volcanic/Music Box/E Bass/Morph Bass/E.Piano/BrassEns/Glass Pad/Classic Gt/Syringe/ ed un sequencer a 16 steps.

Trovo che per liberare le possibilità nascoste del Volca FM sia indispensabile collegarlo ad un effetto (il delay Boss D7, oppure Zoom Multistomp o Electro Harmonix Superego).

Esempio 1: sulle possibilità armoniche/minimali dello strumento

Esempio 2 ed esempio 3: Volca FM e strutture più aperte ed irregolari

STREICHFETT

Streichfett, prodotto dalla tedesca Waldorf, è uno string synthesizer interamente digitale che emula gli strumenti ad arco elettronici, caratteristici della musica del periodo 1975-1980. Questo è probabilmente il motivo che più attrae le persone che lo comprano, tuttavia lo Streichfett non è soltanto un’invenzione vintage destinata ai tastieristi virtuosi ed ai nostalgici, sebbene debba essere necessariamente comandato con una tastiera midi.

Ecco come viene presentato dalla Waldorf stessa:

Streichfett combines the best of the previously extinct species of String Synthesizers of the 70s and early 80s. Its dual sound engine features a fully polyphonic strings section and an eight voice solo section, which is essential for recreating classic movie sounds from the 70s and 80s. The Ensemble Effect provides depth and movement to the String Section, while the Effects section adds adjustable Phaser and Reverb. Additionally, the Animate Effect can be used to modulate the strings registration, allowing spectacular sound morphs.

Anche in questo caso l’utilizzo di un pedale è un invito naturale a trasformare una macchina originale e apparentemente bene educata in un versatile generatore di suoni e strutture oscure e caotiche. Lo Streichfett imita (in maniera non tanto realistica, secondo molti) violino, viola, violoncello, ottoni, organi e coro, ma consente di incrociare molteplici parametri in una visione musicale contemporanea. I comandi sono molto intuitivi ed invitano ad un’incessante, estatica esplorazione del flusso sonoro e della saturazione, direi inoltre che il confine tra musica e saturazioni tendenti al rumore è piuttosto labile…

Seguono 3 esempi della durata di 60 secondi ciascuno: ogni volta lo strumento genera suoni e musiche abbastanza diverse. O perlomeno queste sono le direzioni espressive che io (che non conosco affatto le note) ho intravisto.

1: lo Streichfett utilizzato con l’effetto Superego (Electro Harmonix).

Secondo esempio: con il Tender Octaver (Mooer), un pedale octaver polifonico che è stato pensato più che altro per i chitarristi. In quest’ottica è evidente come l’effetto tenda a diventare uno strumento musicale.

Le conclusioni di Enrico Cosimi sull’autorevole Audiocentralmagazine:

(…) la Waldorf ha voluto dedicare lo Streichfett alle colonne sonore dei film soft-porno di fine anni ‘70, inizio anni ‘80? Le colonne sonore di quei film erano piene zeppe di string machine, uno strumento in grado di fornire un suono affascinante, romantico, lussurioso e in grado anche di far risparmiare in produttori delle colonne sonore, perché con un solo strumento (semmai arricchito da una batteria elettronica) si riusciva a realizzare un’intera colonna sonora, realizzando musica molto facile, sottofondo ideale delle scene (…).

Terzo esempio: Lo Streichfett con il pedale delay costruito da Bobkat.

Infine, un’anticipazione. Sarà tra breve disponibile su BandCamp DATAPANIC: ORDINE e DISORDINE, il primo volume di una serie di compilations tematiche. Il progetto prevedeva che Ogni autore realizzasse una composizione di 60 secondi esatti.

Il progetto di questa linea editoriale tematica e no-budget nasce nel periodo di grande incertezza e inquietudine che tutti stiamo conoscendo.

E’ un’idea che in un certo senso ricorda l’entusiasmo della stagione delle compilations internazionali indipendenti su cassetta (e poi su disco) degli anni ’80 e ’90, quando la musica era un elemento fortemente relazionale e gli ascoltatori un riferimento concreto per chi faceva musica.

Ecco infine l’elenco delle persone che hanno ricevuto l’invito. La maggior parte di loro partecipano al progetto per il solo piacere di farlo e di questi tempi il desiderio è qualcosa di molto prezioso:

Ignazio Lago, Delfo Catania, Cesare Basile, Carlo Guarrera, Danio Catanuto, Piero La Rocca, Stefano Zorzanello, Gabriele Zaverio, Torst, Carlo Natoli, Massimo Olla, Dario Lo Cicero, Floriana Grasso, Elisa Abela, Eli Natali, Alessandro Grasso, LooZoo, Paolo Sorge, Werto, Angelo Sturiale, Vittore Baroni, Manfredi Clemente, Francesco Corrias, Riccardo Balli, Pietro Bonanno, Daniela Cattivelli, Davide Iannitti, Salvo Fallico, Dario Della Rossa, Massimo Palermo, Remo De Vico, Stefano Garaffa, Emanuele Poki, Johan Merrich, Virgilio Vecchio, Marco Saraceno, Antonia Gozzi, Simone Caruso, Rinus van Alebeek, Fabio R. Lattuca, Lady Lu, Andrea Caccia, Blank Rot.

L'articolo DENTRO GLI STRUMENTI/2 sembra essere il primo su Scuola FuoriNorma.

La rubrica “Spettro Sonoro” fu creata per discutere e analizzare scoperte e problematiche legate all’ascolto, alla registrazione dei suoni ed alle prospettive compositive offerte dal montaggio. Si è discusso anche sulle questioni tecniche (legate alla qualità di microfoni e registratori) sui differenti approcci alla materia (fatalmente sospesa tra scienza ed arte) e soprattutto sulla necessità (scrivo a livello personale) di sviluppare l’aspetto magico della dimensione narrativa sonora (anche per le sue possibilità visive latenti) soprattutto nelle          fasi di ascolto e registrazione.

Ho in mente uno spazio stimolante e forse utile per chi si suona o si interessa in vario modo all’universo sonoro. Ecco un nuovo argomento: Strumenti musicali (prodotti in serie ed auto-costruiti) e musiche possibili. Mi tengo apposta distante da competenti (ed a volte iniziatiche) analisi perlopiù tecniche che troviamo in abbondanza su internet: dalle lezioni di Maestro Enrico Cosimi  ai vari unboxing e dimostrazioni Youtube da parte di decine di utenti e tecnici di Korg, Roland, Arturia etc. e propongo qualcosa di radicalmente diverso. Che potrebbe incuriosire anche chi è interessato alla Sociologia, più che agli strumenti musicali.

Gli strumenti musicali che ho usato e che uso verranno analizzati a modo mio, cioè nella dimensione teorica e filosofica del loro progetto. Mi interessa riflettere sull’ampiezza o ristrettezza delle possibilità tecniche ed espressive, sul costo degli strumenti, dell’utente-tipo che le varie aziende hanno immaginato e naturalmente del “comportamento” degli strumenti stessi. Anche riflettere sull’interscambio uomo-macchina (come ci adeguiamo ad uno strumento/progetto mentre lo strumento si adegua alle nostre capacità sonore) mi sembra attuale e interessante.

Una rubrica del genere esiste già all’interno della rassegna mensile “Catabeat”, quì a Scuola FuoriNorma.

Bene, iniziamo con:

BASTL INSTRUMENT: MICROGRANNY 2.5

https://bastl-instruments.com/

Il Micro Granny è un campionatore granulare compatto e divertente costruito da Bastl Instruments, una giovane comunità/azienda di Brno nella Repubblica Ceca nata nel 2013 focalizzata su: sviluppo di strumenti elettronici, organizzazione di eventi e workshop didattici, abbigliamento etc. Dal 2016 Bastl collabora ai vari progetti con Peter Edwards di Casper Electronics, autorità nell’ambito dell’auto-costruzione di strumenti elettronici (troverete in rete alcuni suoi tutorial).

In effetti non so se esiste qualcosa del genere sul mercato, sicuramente non al costo di 200 euro.

Micro Granny ha la possibilità di leggere una scheda microSD contenente i campioni che l’utente vi carica, mandandoli in loop. E’ sufficiente generare files wav di non oltre 30 secondi    (è meglio) con determinate caratteristiche (22.050 hz e 16 bit) e MicroGranny, utilizzando 8 parametri diversi (sample rate/crush/attack/release/grain size/shift speed/start/end. Riassunti nelle 4 manopole) è in grado di scomporre i suoni originali ricostruendo con grande dettaglio una materia sonora instabile ma incredibilmente vitale e ricca di prospettive.  Sono rimasto molto colpito dalla maniera in cui questo processo di auto-cannibalismo trascende ogni idea classica di citazione, plunderfonia e plagio, creando situazioni reminiscenti, in un certo senso “polveri armoniche”. 20 secondi di un brano del primo disco dei Pink Floyd possono ad esempio essere effettivamente scolpiti e “suonati” e fino a diventare un brano di 3 minuti, rivelando proprietà sonore latenti. Riascoltando e considerando i miei cd mi sono reso conto del nonsenso dell’idea stessa di genere musicale quando abbiamo la possibilità di entrare dentro la materia del suono, con la certezza di distruggere e generare continuamente qualcosa. A questo punto musica classica, Opera, Folk, New Wave, vecchie canzoni francesi, New Age etc diventano materia  interessante allo scopo…

Segue un primo esempio:

Secondo esempio:

Terzo esempio: Il disordine offerto dal Micro Granny è particolarmente interessante se associato alle strutture ritmiche delle batterie elettroniche. Quì ho utilizzato il Micro Granny con la drummachine Rhythm Wolf (Akai).

Quarto esempio: il MicroGranny suona il frammento di un coro dei monaci del Monte Athos.  La struttura ritmica è della drummachine Unodrum (IK Multimedia).

MicroGranny 2.5 ha un ingresso midi ed un piccolo microfono incorporato, è inoltre modificabile in quanto basato su Arduino.  Vi consiglio di usare microSD Sandisk Ultra,Trascend, Kingleen (sembra che non rilevi le Kingston). Micro Granny è distribuito da Gear4 music, musicstore.de ed altri. E’ stato adesso prodotto con nuovo design ed è decisamente un’ ottimo investimento per chi è interessato alla sperimentazione più che al noise in sé stesso.

SISMO: ITER

https://vimeo.com/sismosynths

My first thought wasn’t necessarily about the sound quality or the features, but that the Iter might be ideal for introducing children to synthesis. Even compared to other cheap synths like the Korg Volca Bass or the Modal Electronics Skulpt, the Iter is appealing and intuitive in a way that would appeal to curious young minds. Without knowing a thing about what’s going on inside or what any of the knobs do, you can easily coax mad ambient sounds and atonal riffs out of it. You can hear the effect of turning any knob almost immediately, encouraging you to explore further and find out what happens. The results could be a gnarly drone loop or a watered-down take on the worst kind of YouTube synth noodling, but even the least experienced musicians will at least be able to get something out of it.        (…)                                                                                                                                                                                Sismo’s instruments are unusual, but it’s not hard to see why they appeal to a certain kind of person. If you want a conventional synth or sequencer, look elsewhere (…) the Iter is a fascinating little curiosity. Very much a niche offering, but if you’re looking for a cheap and effective way to inject a little bit of drone chaos into your studio proceedings it certainly fits the bill.

Introduzione piuttosto generosa al Sismo Iter da parte di Greg Scarth (Juno Reviews). Ho rispetto per le piccole aziende operanti nel settore della musica elettronica (Sismo è un marchio portoghese) conservo le mie perplessità circa questo piccolo sintetizzatore monofonico dotato di sequencer e 2 oscillatori. Scrivono che  sarebbe “lo strumento perfetto quando hai bisogno di aggiungere calore, potenti rumori ambientali, ritmo e carattere ai tuoi suoni” ma dopo alcune ore passate in sua compagnia ho tratto alcune conclusioni sconsolate;mi sembra più adatto alle scoperte di un bambino. Seguono lo schema operativo dello strumento ed alcuni esempi sonori.

Esempio 1: Esplorazione dei suoni dell’Iter.

Esempio 2: I suoni dell’Iter associati a quelli della drummachine Unodrum. Le perplessità restano tutte.

Iter costa 82/99 euro, non è tantissimo ma ritengo molto più interessante, per una cifra di poco superiore un piccolo synth 8 bit chiamato “Algorhythm”, prodotto dagli inglesi di ResonanceCircuits (vedi sotto) oppure vari strumentini e giocattoli modificati col circuit-bending, limitati ma imprevedibili.

RESONANCE CIRCUITS: ALGORYTHM 8BIT SYNTHESIZER

https://www.resonancecircuits.com/

Esempio 1: Lo strumento al naturale. Un generatore di suoni aggressivi ed organici, senza mezze misure. E’ piuttosto limitato e semplice, tuttavia proprio questo invita il musicista ad immergersi sempre più nel flusso incessante del suono per cercare e trovare. Viene così descritto dai suoi costruttori: An algorithmic based sound generator capable of random glitch sequencers, chiptune sounds, 8bit rhythms, dense electro leads and harsh synth tones.

Esempio 2: Lo strumento collegato ad un delay. Indubbiamente il confine tra le 2 macchine tende a scomparire ed il disordine suggerisce nuove possibilità …

Immagine di Zoltan Fazekas. Grazie ed arrivederci.

L'articolo DENTRO GLI STRUMENTI/1 sembra essere il primo su Scuola FuoriNorma.

visione ed a tutte le zone grigie possibili ed immaginabili. Del resto il concetto di “spettro sonoro” suggerisce una continuità tra ascolto e visione, e con tantissime zone grigie!

Catania, corso Italia (2 delle 4 immagini di una fotografia Lomo)

Una macchinetta in plastica colorata con 4 piccoli obiettivi che costa meno di 30 euro è una grande opportunità per uscire fuori dalla cosiddetta Realtà e cercarne una versione parallela. Action sampler fu una fotocamera rivoluzionaria in grado di scattare 4 foto in sequenza su una foto di formato 35mm. Venne prodotta nel 1998 e subito lanciata al Photokina (la maggiore convention mondiale di fotografia). Ma andiamo indietro nel tempo:

Il generale sovietico Kornitzky ed un collega militare esaminano attentamente la Cosina CX-1 di produzione giapponese e ne intuiscono le potenzialità. Nel 1984 inizia la produzione di massa della Lomo LC-A che si diffonderà soprattutto in Polonia, Cecoslovacchia e Russia.

La favola prosegue con un’altra scena: una giovane coppia di viennesi in vacanza a Praga comprano una              Lomo LC-A in un vecchio negozio di fotografia, scattano il primo rullino e restano piuttosto turbati quando vedono le foto sviluppate; l’interesse si diffonde rapidamente e nel 1992 viene fondata a Vienna la Lomography Society International e pubblicato anche il Lomography Manifesto. La fabbrica russa decide di interrompere le attività ma gli austriaci convincono i russi a continuare la produzione, a questo punto il marchio viene rilanciato ed entra in azione un negozio online, la possibilità di interagire con la community, progetti speciali, servizi e attività. Inoltre é nato il World Archive, che mostra una serie di lomo-foto provenienti da tutto il mondo.

nel 1997 si é tenuto a Madrid il primo Lomographic World Congress che ha visto la nascita di un LomoWall di 120 metri, piú di 35.000 fotografie analogiche!

A questo punto non è chiaro se la produzione sia sempre rimasta in Unione Sovietica o se tutto il catalogo Lomo  (che oramai si è esteso a macchine più costose) sia prodotto su licenza in Austria…

L’unica maniera per capire cosa ci succede quando fotografiamo in questo modo è di uscire in strada con una

Lomo (la mia ha 4 piccoli obiettivi e si chiama Action sampler). Innanzitutto il mirino vecchio stile (in plastica,    sulla macchina) ci suggerisce di inquadrare in maniera più approssimativa ed istintiva ciò che vogliamo fotografare.

Al momento dello scatto ecco un ronzio che rivela l’azione dei 4 obiettivi ed una serie di interrogativi profondi: nell’inquadratura c’era abbastanza movimento? Era troppo statica? Ho mosso troppo la macchina? Lo si saprà molto tempo dopo e ci rendiamo conto che siamo entrati in una modalità assolutamente improvvisatoria, considerando soprattutto i forti limiti tecnici della camera e l’impossibilità di progettare profondità di campo e tempo di esposizione (che credevamo fossero gli assunti fondamentali della Fotografia!).                                        Quello che succede e succederà in seguito mi sembra molto più dell’esperienza vintage con la quale fu solleticata la nostra curiosità… Quando abbiamo in mano le 36 foto stampate capiamo velocemente che i soggetti più illuminati rendono meglio, che vedere 4 attimi di realtà spazio/temporale all’interno della stessa fotografia pone nuove regole di composizione della inquadratura, che l’effetto del movimento della camera e dei soggetti non è per niente facile da intuire… Insomma, come accadeva con il super8 più la tecnologia è elementare, più il codice interno della macchina inizia ad imporsi ed a parlarci sottovoce…

La cosa più curiosa consiste comunque nelle modifiche cognitive che iniziamo a subire… Tornando in strada ci accorgiamo che, in preda ad aspettative molto forti, ciò che ci interessa è diverso, che guardiamo in maniera differente, che tenderemo a fotografare soggetti che mai fotograferemmo con la nostra reflex o col cellulare, che di questi questi colori così differenti non sono sono interamente responsabili le ottiche ed il rullino (Lomo raccomanda ovviamente di usare rullini specifici da 400 asa, consigliati anche in esterno, o addirittura 800 asa, per gli interni) che la cosiddetta “bassa definizione” è un abisso . E’ successo qualcosa, insomma ma non sappiamo dove e quando.    Forse siamo cambiati. Sicuramente vogliamo e desideriamo cacciare altre immagini, sicuramente vogliamo essere diversi e più liberi attraverso una tecnologia veramente aperta.

Lomographic Society International is located at Hollergasse 41, A 1150, Vienna, Austria. A huge space with a courtyard area to the rear with a red painted wall saying lomography; with as I recall 3 levels to the building making up the Vienna HQ. It appears to be like a tardis as it just seems to grow and grow level to level inside as you walk up the concrete stairs. One of the most interesting area’s within the building is the archives –in which box upon box of images sorted by colour is stored- I’d estimate that well over a million images must be housed there. Everywhere you go there are lomo walls and memories of all things lomo – the building as you would expect is a very quirky and truly unique feel to it. It actually smells of LCA!                                                                   Each level opens up to an expansive larger room which has then been sectioned off into smaller work areas. All in all a center hive of activity with that buzz of energy zapping around. A really fun place to hang in and visit. Of course you can shots lomo’s images every 2 steps 😉

La cosa veramente sorprendente è la maniera in cui un’intuizione residuale sia stata velocemente trasformata in un trend che suggerisce quasi uno stile di vita. Come questo immaginario pop e colorato ben progettato e venduto, desiderato da migliaia e migliaia di utenti, finisca per essere digerito da una cultura/mercato dominante che definisce “vintage” idee e tendenze diverse per digerirle meglio…. La cosa migliore è divertirsi e non pensarci.

L'articolo IL FUTURO E’ ANALOGICO (O OBSOLETO) ? sembra essere il primo su Scuola FuoriNorma.

La distanza tra lettura e ascolto è una distanza infinita, soprattutto quando parliamo di Cinema e di Radiodrammi. Si crede in effetti che un testo scritto vada automaticamente bene anche per essere ascoltato. Non è così.

1-         Per questo motivo, quando Gualtiero Jacopetti (siamo nel 1961) progettò la formula narrativa di “Mondo Cane” scrisse testi molto forbiti ed arzigogolati per poi farli leggere a Stanis Nievo (un attore). Il risultato?

L’esperienza dei “Mondo movies” (che gli spettatori inizialmente videro soltanto al Cinema) è piuttosto manipolatoria proprio perché mentre guardiamo le immagini (con un montaggio veramente rapido per quei tempi), ascoltiamo: i suoni in presa diretta, i motivetti orchestrali ed infine la voce narrante con la voce impostata. In questo eccesso di informazione

la nostra capacità di analizzare la veridicità e soprattutto la qualità (moralmente molto bassa) del messaggio del film è veramente molto bassa.

In pratica è come essere al Cinema mentre un’entità ci sussurra all’orecchio cosa stiamo guardando e come dobbiamo farlo.

Un critico inglese definì i Mondo Movies “figli illegittimi del Peep-show e del Cinema d’Antropologia”

In “Mondo Cane” è veramente difficile capire come la manipolazione sia un effetto della struttura per poi completarsi attraverso immagini e sonoro.

Il cinema di propaganda aveva fatto la stessa cosa, in maniera più dichiaratamente autoritaria. Ma nessuno se lo ricorda più.

Stati Uniti, anni ‘60/70. Highway Safety Films, Sex Scare e Drug Scare Films erano format di cortometraggi educativi sulla sicurezza stradale, sul sesso precoce o non protetto                e contro le droghe, che mescolavano sapientemente (nel caso dei primi) tragiche immagini d’archivio con ricostruzioni fiction. Venivano proiettati -diciamo a tradimento- nei          drive-in, prima dei film commerciali. Cinema di propaganda con scusante pedagogica.

2-         Negli anni ’60 vennero lanciati sul mercato i dischi delle favole (anche in versione 45 giri per mangiadischi). Il fatto che si potesse delegare il rito del racconto della favola ad un supporto registrato non fu affatto visto male, soprattutto perché la componente emozionale del racconto (simile per struttura narrativa al “Radiodramma” classico, con voce narrante/dialoghi/musiche/rumori) era decisamente affascinante ed ha segnato molto di noi.

Che cosa succede, in poche parole, “dentro e prima” di noi? Rispetto alla lettura obbediamo ad un tempo di ascolto e ad una durata, non siamo più liberi di trasformare le parole coi nostri tempi, con la nostra unicità. C’è qualcuno (anche bravo) che lo sta facendo per noi. E giustamente paghiamo un prezzo in termini di esperienza.

Questo sistema ha riflessi anche più potenti nel Cinema (arte plastica per eccellenza, che organizza gerarchicamente immagini/suoni/testo recitato con un enorme grado di soggettività autoriale) rispetto ad esempio all’ atto di osservare un quadro.

Questo file audio dimostra come un improbabile fatto di cronaca (trovato per caso sul quotidiano ‘La Sicilia’) può diventare un racconto sonoro con aggiustamenti veramente minimi. Mancano i rumori che di solito drammatizzano la scrittura ma ci sono le musiche; alcune le ho fatte io mentre il tema orchestrale l’ho preso da qualche cd e poi manipolato. La mia voce non sembra troppo disgraziata perché ho letto il testo sussurrandolo…

Questo è l’indice di “Panorama dell’arte radiofonica”, di Enrico Rocca (ed.Bompiani, 1938). 

Illuminante già per comprendere come inizialmente questa forma espressiva venisse vista come un’estensione del Teatro.

Geografia dell’invisibile
Nascita dei generi radiofonici
Dal segnale al giornale radio
Radiocronaca e rassegna auditiva oggi e domani
Dalla conversazione al documento sceneggiato
Applicazioni della radiosintesi
L’arte varia della radio
La strada verso il radioteatro
Caratteristiche del radiodramma
I generi radioteatrali
Il radioteatro nei Paesi anglosassoni
Il radioteatro tedesco
Il radioteatro francese
Panorama del radioteatro italiano
Il radioteatro negli altri Paesi
Conclusioni nel radioteatro

3-         L’audio-libro è un dispositivo narrativo di successo perché si pone (esattamente ?) tra lettura ed ascolto, oltrepassando brillantemente (per chi li compra) il libro e la lettura.

Se contiene solo qualche suono e musica è ancora una “lettura ascoltata” (spesso d’autore), se la struttura suggerisce invece tempi e spazi e quindi una dimensione più immaginativa,      allora tende al film-senza-immagini, Radiodramma.

Il “Radiodramma” non è per niente un genere radiofonico, proprio perché è anch’essa un’arte plastica, che ha indotto storicamente scrittori, teatranti, musicisti,      autori di cinema, autori di televisione ad immaginare e realizzare rispettivamente –nel bene e nel male- opere sonore con una forte componente letteraria, teatrale, musicale, cinematografica o televisiva…

L'articolo IL BUIO TRA LETTURA E ASCOLTO sembra essere il primo su Scuola FuoriNorma.

Un piccolo amplificatore in cortocircuito iniziò ad emettere suoni inauditi. Allora pensai: Se questo può succedere incidentalmente, cosa può accadere di proposito?

E se può verificarsi in circuito che non si suppone possa suonare, cosa può succedere se facciamo lo stesso con tastiere, radio ed a tutto quello che genera suoni?

Reed Ghazala.

(composizione che ho realizzato con una tastiera Casio SK1 modificata e relativa forma d’onda)

Mentre stavo intervistando un amico musicista sulle sue attività musicali, questo ha tirato fuori una tastiera giocattolo Casio. Con una storia travagliata: comprata da qualcuno negli anni ’80, finita nelle mani di un bender americano che l’aveva modificata e venduta ad un gruppo musicale, arrivata infine tra le mani dell’amico che dovrebbe revisionarla e riportarla in funzione…

Nei mesi seguenti ho comprato su ebay una prima tastiera Casio, modificata da un inglese (foto 1).  Quando ho iniziato a suonarla, azionando la tastiera ed i vari interruttori che agivano sul circuito (12 + 3 manopole) ho iniziato a comprendere il senso musicale e le implicazioni filosofiche di questa pratica esoterica. In seguito ho comprato (sempre su ebay e ancora ad un prezzo piuttosto contenuto) un’altra Casio SK1 modificata (foto 2).        Un altro bender britannico ci aveva scritto sopra a pennarello “Table Beast – Synth Killer”, aveva costruito un pannello sulla plancia della tastiera con 16 prese (+ 1 filtro ed un altro controllo) per collegare tra loro i vari punti del circuito per mezzo di cavetti. La macchina è basata su un progetto piuttosto diverso dalla precedente SK1 e può generare possibilità sonore più ampie.

Anche stavolta ho sentito in qualche modo il pensiero di chi l’ha progettata e costruita sovrapporsi a quello di chi l’ha modificata, trasformandola in uno strumento musicale bizzarro ed unico rispetto alle sue ex-sorelle Casio SK1, prodotte industrialmente ed inevitabilmente tutte uguali tra loro.

In poche parole, una tastiera di questo tipo, per com’è stata progettata (e commercializzata) sfrutta anche meno del 10% delle potenzialità offerte dal proprio circuito. Che rimangono quindi latenti.

La Casio SK1, anno di produzione 1985 (vedi pubblicità) era un modello di tastiera giocattolo molto popolare, uno strumento didattico pensato per bambini e ragazzini. Nelle specifiche tecniche leggiamo: 8bit- 9,38KHz.              Nel 1987 la Casio produsse il modello SK5, con l’intenzione di essere presente sul mercato con un vero strumento musicale, un sintetizzatore.

Un tutorial che riguarda il circuit bending della Casio SK5

Il mercato delle “circuit bent keyboards” è piuttosto curioso: troviamo su internet (a prezzi che vanno dai 150 ai 250 euro) vari modelli di tastiere modificate Yamaha (con diversi modelli) e Casio (SK1 ed SK5, particolarmente predisposte ad essere modificate per via della loro struttura costruttiva). Troviamo poi gruppi organizzati (come circuitbenders.co.uk) che assicurano un servizio certificato che funziona così: spedisci la tastiera da modificare e loro faranno il lavoro seguendo uno standard definito per ogni modello di tastiera, ineccepibile anche dal punto di vista estetico (la tastiera modificata sembrerà uscita fuori da un negozio!).

Su youtube troverete una ventina di utenti che esibiscono i loro bending (spesso senza rivelare i propri segreti) ma anche siti con consigli e tutorial (come Gadget Hacks) allo scopo di iniziare i meno esperti a queste pratiche.

Già sul finire degli anni ’60 Reed Ghazala, padrino del Circuit bending (ed autore del libro “Circuit-Bending: Build Your Own Alien Instruments” ) ed inoltre costruttore di creazioni estremamente fantasiose (ma anche di strumenti elettronici commissionatigli tra gli altri da Tom Waits,  Peter Gabriel, King Crimson) con la sua “Anti-teoria” afferma che sarebbe addirittura meglio sconoscere l’elettronica perchè “dato che il circuitbend è energia che fluisce attraverso i cortocircuiti (eventi che non sono in ogni caso previsti in un circuito) you have to think different”!

Ciò che può dare senso a queste pratiche fondate su una Scienza non-esatta è soprattutto la prospettiva della temporaneità, della continua ricerca e del fallimento (il circuito che non regge i cortocircuiti).

Casper Electronics è una compagnia fondata negli Stati Uniti nel 2000, specializzata nella modifica in serie di strumenti musicali e giocattoli sonori, primo tra tutti lo “Speak&Spell” Prodotto da Texas Instruments nel 1978, arrivato in Italia con il nome “Grillo Parlante”.  Esempio di come specialmente un gioco per bambini può diventare uno strumento musicale perverso…

Ho notato una certa divisione tra le due comunità:  i “tecnici” sembrano più concentrati sulle attività sperimentali in laboratorio e meno sulle applicazioni artistiche/espressive di queste pratiche,  i musicisti invece focalizzano il loro interesse sulle applicazioni.

Sappiamo come gruppi come Autreche e Daft Punk abbiano basato le loro intuizioni musicali sui suoni del Circuit bending, Portishead, Fatboy Slim, Meat Beat Manifesto, Chemical Brothers, Bloodhound Gang, REM e Bloc Party ed altri hanno invece impiegato questa estetica sonora in maniera più utilitaristica. Un po’ come in genere vengono usate le immagini demodé del super8 nei videoclip.

foto 2

foto 1

Il sito internet dell’olandese Gieskes e quello di Asmo

Le tastiere modificate assumono una notevole instabilità di comportamento che fa generare loro: situazioni molto rumorose e rabbiose in cui il suono sembra letteralmente auto-distruggersi. Riemergono i suoni originali della tastiera giocattolo, ma soprattutto aree di puro disordine in cui i suoni entrano in loop, si sovrappongono in strutture low-fy incredibilmente complesse ma sempre in qualche modo “intonate”, estremamente organiche e ricche di sfumature…

Casio SK10 in azione (circuit bending di Davide Iannitti)

L’estetica sonora del Circuit bending è un processo piuttosto ironico e temporaneo, che scorre trasversalmente tra noise, musica contemporanea, musica elettronica che timbricamente ricorda gli esperimenti di  Peter Zinovieff o di Delia Derbyshire, la muzak degli strumenti giocattolo ed all’improvviso, il Silenzio (quando il circuito va in blocco deve essere riavviato con un interruttore di “reset”).

Le reazioni di circuiti e componenti vecchi di oltre 30 anni possono dare ulteriori sorprese: mi sono accorto che nelle medesime regolazioni la macchina, a distanza di qualche minuto, si comporta in maniera differente.   Questo rafforza l’idea che il processo del corto-circuito è un sistema di ordine/disordine che si auto-genera continuamente e che ti conduce a volte attraverso combinazioni sonore che non hai scelto ma con le quali devi avere  a che fare (esattamente come accade in qualsiasi viaggio fisico).

Yamaha PSS 140 modificata e forma d’onda

Se ci pensiamo, i synth monofonici sul mercato sono macchine spesso complesse e costose (vedi i vari modelli Moog che costano –usati- sugli 800/1000 euro od i mitici ed introvabili Bukhla od ancora numerosi modelli prodotti da Mfb, Doepfer, Arturia, Korg, Waldorf etc. con i loro synth semimodulari dai 400 euro in su) macchine progettate per musicisti/professionisti piuttosto esigenti, che li suonano con differenti personalità e conoscenze teorico/tecniche. Certo, diversi musicisti elettronici creano musiche notevoli dal punto di vista espressivo ma in qualche modo subiscono la forza omologante di macchine prodotte industrialmente.

Io credo che le varie musiche elettroniche contribuiscono al consolidamento di una retorica del Rumore (che anche nei casi più estremi si confronta comunque con il senso estetico del musicista) che sempre di più ha abbandonato ogni connotazione di critica musicale/sociale/politica per riformulare e restituire in maniera più o meno istintiva e drammatica il rumore della città.

scatola di derivazione esterna/break out box per Casio SK5 (bending ancora a cura di Davide Iannitti)

Al contrario, mi piace pensare che una tastiera modificata col circuit bending inizi a pensare ed a sognare, che liberi un proprio desiderio da un destino segnato (che si ribella anche al concetto di “valore di mercato”) generando musiche imprevedibili ed esteticamente trasversali. Se vogliamo paragonarlo ad altre forme espressive, direi che Il Circuit Bending è per la musica ciò che il Found Footage è per il Cinema, una pratica implicitamente ludica, ecologica e politica, come nelle intenzioni movimentiste di Reed Ghazala.

Ecco quello che scrive Emily Reily in un articolo:

Circuit bending is a vast underworld of music-making that not everyone is aware of, but anyone can do. You don’t even have to get too technical; all you need is imagination and a little bit of ingenuity.

At its most basic, it involves taking an old kids’ toy from the 70s or 80s, opening up its guts, then manipulating the wires and circuits with tools or your fingers to make the toy’s “choo choo” or “two plus two” sound vaguely robotic and, if you’re lucky, slightly funky. New sounds can be mined from a Speak and Spell, a Game Boy, a Kawasaki toy guitar, or even a Furby, if he’s your man.

It’s hugely experimental — certain keyboards, synthesizers, even some appliances, can do the job too. The sounds that come out are obviously electronic, but also techy. You can get whooshes, whirs, gobbledygook, or garbage– buzzes, blips, static and fuzz. If something doesn’t come out the way you like, just try again.  A slew of artists have used circuit-bending in their songs, but their watermark is often hidden behind layers of guitar and synthesizer and often, it’s hard to pin down the details.

il link del sito internet di Reed Ghazala ed altri materiali interessanti

http://www.anti-theory.com/soundart/circuitbend/

http://www.instructables.com/id/Simple-ways-to-circuit-bend-a-toy/

https://it.emcelettronica.com/circuit-bending-italia

http://punto-informatico.it/4370174/PI/News/circuit-bending-vecchio-hi-tech-nuova-musica.aspx

Infine, la definizione di Wikipedia:

Circuit bending is the creative, chance-based customization of the circuits within electronic devices such as low voltage, battery-powered guitar effects, children’s toys and digital synthesizers to create new musical or visual instruments and sound generators.

Emphasizing spontaneity and randomness, the techniques of circuit bending have been commonly associated with noise music, though many more conventional contemporary musicians and musical groups have been known to experiment with “bent” instruments. Circuit bending usually involves dismantling the machine and adding components such as switches and potentiometers that alter the circuit.

Circuit bending is often practiced by those with no formal training in circuit theory or design, experimenting with second-hand electronics in a DIY fashion. Inexpensive keyboards, drum machines, and electronic children’s toys (not necessarily designed for music production) are commonly used. Haphazard modifications can result in short circuits, resulting in the risk of fire, burning, or electrocution.

L'articolo LA MACCHINA CHE VISSE 2 VOLTE sembra essere il primo su Scuola FuoriNorma.

In fondo è ingiusto chiamarlo semplicemente rumore. Tempo fa uno studente del Conservatorio di Trapani mi ha detto di non avere alcuna difficoltà a considerare

il suono di un treno (che magari è tra i rumori più poetici ed emotivamente significativi) oppure quello di un camion come “suoni naturali”.

Allo stesso modo un’altra persona affermava che in determinate condizioni (inquadrature sonore) il suono del mare è difficilmente distinguibile da quello di una

autostrada…

Guardiamo adesso questo rettangolo nero, sembra la somma di tutto (e non un vuoto di informazione) lo stesso vale per il rumore.

Ascoltate qui:

Questo brano è stato composto tenendo in mano un cavo, aprendo e chiudendo un circuito costituito da un amplificatore e dal corpo umano.

Si possono modulare i suoni in tanti altri modi, soprattutto se si utilizza un effetto delay. Ecco qui sotto l’immagine del suono (sono 2 registrazioni

diverse sovrapposte)

Ecco un altro brano, realizzato nello stesso modo (stavolta senza nessuna sovrapposizione)

Quì sotto ecco invece un tipico “scarto”, si tratta di una pagina di adesivi (in parte già staccati), attira il nostro occhio in modo strano, no?

Forse perché questa immagine contiene poca informazione ed anche perché ha esaurito il proprio ciclo vitale (infatti era finita nella spazzatura).

Ogni anno porto i miei alunni a fare registrazioni audio. Loro devono poi realizzare una composizione della durata di 2 minuti che abbia caratteristiche

documentarie, diaristiche, musicali etc. Giuseppe Castronovo ha avuto l’idea di scegliere (al contrario dei suoi colleghi) proprio gli “scarti” delle registrazioni.

Ci trovavamo a Palermo, nei pressi del Castello della Zisa.

Per adesso è tutto, la prossima volta un viaggio nel magico mondo del Circuit Bending. A presto.

L'articolo Quale rumore? sembra essere il primo su Scuola FuoriNorma.

In Russia, negli anni tra il 1947 e il 1964, era molto difficile potere ascoltare, folk underground, registrazioni di performers politici (come Lescheko o Vertinsky), jazz  e naturalmente rock and roll di produzione straniera, generi e canzoni considerate potenziali minacce dal Cremlino anche in assenza   di messaggi antisovietici.

La soluzione arrivò dall’Ungheria, dove i controlli della censura erano meno puntuali e oppressivi. La radio statale di Budapest realizzava infatti registrazioni professionali su lastre radiografiche, anche di glorie nazionali come Bela Bartok.

Ruslan Bogoslowskij e Boris Taigin iniziarono ad usare macchine costruite per copiare registrazioni militari su lastre radiografiche, facilmente reperibili presso gli ospedali (le lastre venivano poi ritagliate e bucate al centro) incidendo registrazioni musicali a 78 giri riproducibili da qualsiasi giradischi.

Su ognuno di questi dischi (incisi su di un solo lato e dapprima ricavati da lastre in nitrato o acetato, ricoperte da uno strato protettivo) spesso non apparivano titoli di canzoni né nomi di gruppi, soltanto un codice.

Nacquero così i preziosi  Roentgenizdat: bootleg che costavano al massimo un rublo e mezzo, contro i cinque rubli di un normale disco, si consumavano in pochi mesi e possedevano una qualità audio misera.

Chi era colto in possesso di musica “ideologicamente straniera” rischiava la prigione e veniva immediatamente licenziato. Bogoslowskij stesso venne arrestato tre volte e nel 1958 la censura dichiarò ufficialmente illegali i roentgenizdat.

ll mercato si era però ingigantito e la musica occidentale si diffuse rapidamente in tutta l’Unione Sovietica; questi dischi si trovavano in tutte le case oltre ad essere usati anche nelle radio per diffondere musica “non illegale”.

La fine di questa era arriverà con l’avvento delle musicassette (magnitizdat), che garantivano una maggiore facilità di riproduzione, prospettiva di veicolare ormai punk e musiche con messaggi politici più espliciti ma paradossalmente minori rischi legali, dato che ad ogni sovietico era consentito      il possesso di un registratore a nastro. Al contrario, i macchinari per la stampa su carta rimarranno sotto il controllo dello stato.

Nel 2016 Stephen Coates e Paul Heartfield hanno prodotto il documentario “X Ray audio bone music”, premiato come miglior documentario al Festival del Cinema russo a Londra e proiettato anche al Trieste Film Festival 2017.

https://www.youtube.com/watch?v=XMCCYnDvpJQ

Questo il link del sito che riguarda l’ X -Ray audio Project

https://www.x-rayaudio.com/

https://www.rbth.com/arts/2015/09/30/boogie_bones_underground_soviet_x-ray_lps_come_to_uk_49679.html

Il medium è il messaggio, insomma, mi chiedo infine se il primo disco dei Faust (pubblicato nel 1971) non fosse proprio un omaggio

ai roentgenizdat. E’ tutto, il prossimo blog sarà incentrato sul reportage (sonoro) di viaggio.

NOTE:

Q This record, if you notice, is made from an X-ray film. It was sent to me in the early 1960s form a pen pal. The X-ray was used as a raw material to make this record. It was smuggled out of the U.S.S.R. This was considered Jazz because it represented Western Imperialist “Bally hoo” as my pen pal called it.  The song on the record is “Tweedle Dee Dee,” which was popular in the 1960s. It plays clearly on 78-RPM mode on a standard phonograph. How valuable do you think this item is and do you think it is saleable? — H.B., Brooklyn, N.Y.

A During the late 1930s and early 1940s the prevalent sound recording apparatus was the wax disk cutter. As a consequence of the lack of materials in the war-time economy, some inventive sound hunters made their own experiments with new materials within their reach. The name of the inventor who first utilized discarded medical X-ray film as the base material for new record discs is unknown; however, the method became so widespread in Hungary that not only amateurs, but the Hungarian Radio made sound recordings on such recycled X-ray films.

Owing to the lack of recordings of Western music available in the USSR, people had to rely on records coming through Eastern Europe, where controls on records were less strict, or on the tiny influx of records from beyond the iron curtain. Such restrictions meant the number of recordings would remain small and precious. But enterprising young people with technical skills learned to duplicate records with a converted phonograph that would “press” a record using a very unusual material for the purpose; discarded X-ray plates. This material was both plentiful and cheap, and millions of duplications of Western and Soviet groups were made and distributed by an underground roentgenizdat, or X-ray press, which is akin to the samizdat that was the notorious tradition of self-publication among banned writers in the USSR. The records were all simply called “roentgenizdat,” or “X-ray pressed” records.

According to rock historian Troitsky, the one-sided X-ray disks costed about one to one and a half rubles each on the black market, and lasted only a few months, as opposed to around five rubles for a two-sided vinyl disk. By the late 1950s, the officials knew about the roentgenizdat, and made it illegal in 1958. Officials took action to break up the largest ring in 1959, sending the leaders to prison, beginning an orginization by the Komsomol of “music patrols” that later undertook to curtail illegal music activity all over the country.” (Attribution, József Hajdú)

The flexi disc (also known as a phonosheet or soundsheet) is a phonograph record made of a thin, flexible vinyl sheet with a molded-in spiral stylus groove, and is designed to be playable on a normal phonograph turntable. Flexible records were commercially introduced as the Eva-tone Soundsheet in 1960, but were previously available in the Soviet Union as “roentgenizdat,” “bones” or “ribs,” underground samizdat recordings on X-ray film.
At present, to a vintage collector, records of this type an era will retail from around $150 and up.

L'articolo La musica delle ossa sembra essere il primo su Scuola FuoriNorma.

Nel corso di una intervista, Stefano Zorzanello ha paragonato la labilità del suono alla scia che una nave lascia sulla superficie del mare. Al contrario, il segno che un aratro

traccia sul terreno è fatto per restare e per essere letto ed interpretato da altri. E’ il confronto tra la cultura orale e la cultura scritta, che si presta al fraintendimento proprio quando ci troviamo in assenza dell’autore della scrittura.

Ho quindi applicato 2 microfoni a contatto per ascoltare una macchina da scrivere meccanica Olivetti di mio padre.                                                                                                                              Alla fine avevo alcuni elementi ma ognuno di essi raccontava la sua versione di ciò che era successo, contraddicendo gli altri.

figura 2

l’immagine del suono (sarei potuto partire anche da un altro elemento)

Poi la registrazione audio, che i microfoni hanno generato traducendo in suono le vibrazioni raccolte sulle superfici metalliche.

Ed infine:

figura 3

La partitura, quello che è rimasto sul foglio di carta.

In effetti non è affatto una partitura (dato che è stata generata dai suoni e non viceversa) ma sembra l’elemento che racconta in maniera più completa e distaccata                                          ciò che è successo,  in che modo è stata utilizzata e “suonata” la macchina per scrivere.

La durata di questa che è la stessa del file audio,  2’33”. Mi sono infine accorto che il carattere ritmico della scrittura e della sonata sono più evidenti in questa                                      immagine che negli altri elementi. O almeno mi sembra.

Come considerazione finale mi piace pensare che questa “macchina” (la potremmo definire “elementare”) nel corso di questi 2’33” abbia sognato, sottratta ad obblighi istituzionali di strumento progettato, costruito, venduto e comprato unicamente per uno scopo.

Alla prossima.

L'articolo LE SCRITTURE sembra essere il primo su Scuola FuoriNorma.